Premi Ciutat de Palma Antoni Gelabert d'Arts Visuals 2024

El jurado del Premio Ciutat de Palma Antoni Gelabert de Artes Visuales 2024, destinado a apoyar la creación artística contemporánea, contribuir al dinamismo del sector de las artes visuales y reconocer la labor desarrollada por los creadores y creadoras, ha seleccionado a los 10 artistas finalistas en la nueva edición del certamen.

La lista está integrada por María Alcaide, Anna Dot, Abel Jaramillo, Alejandro Javaloyas, Biel Llinàs, Pepe Miralles, Santiago Morilla, Stella Rahola Matutes, TXP (Todo por la Praxis) y Marc Vives.

En esta convocatoria, han tomado parte 357 aspirantes y se han presentado a concurso un total de 816 obras.

El jurado ha estado formado por Eva Lootz, ganadora del Premio Nacional de Artes Plásticas 1994, Premio MAV de las Mujeres en las Artes Visuales 2010 y Premio de Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid 2022; Jordi Pallarés, investigador y comisario independiente, miembro fundador de Taula (Associació de Mediadors Culturals de Mallorca) y presidente de INDAGUE (Asociación Española para la Investigación y la Difusión del Graffiti y Arte Urbano), y Magdalena Aguiló, comisaria independiente y actual presidenta de la Associació de Crítics i Comissaris de les Illes Balears (ACCAIB), que ha sido también directora de la Fundació Miró Mallorca (2004-2011) y subdirectora del Centre de Cultura Sa Nostra (1989-2003).

Las obras de los 10 finalistas formarán parte de la exposición de los Premis Ciutat de Palma Antoni Gelabert de Artes Visuales 2024, que se inaugurará el 20 de enero de 2025 en el Casal Solleric y permanecerá abierta al público hasta el 9 de marzo del mismo año.

El premio se entregará el mismo 20 de enero, festividad de San Sebastián.

ACTIVIDADES:

Visita combinada a la exposición Premis Ciutat de Palma Antoni Gelabert 2024 y Habitar el conflicto de Ela Fidalgo

23 de enero a las 18 h

Visita combinada a la exposición Premis Ciutat de Palma Antoni Gelabert 2024 y Habitar el conflicto de Ela Fidalgo

15 de febrero a las 11 h

El artista guanador de la presente edición del premio ha sido Santiago Morilla con l'obra titulada Lo propio es temblar. Memoria forense de la materia vibrante (2024)

Santiago Morilla (Madrid, 1973)

Lo propio es temblar. Memoria forense de la materia vibrante (2024)

Instalación multimedia con vídeo-proyección (hd monocanal 9’55”) y escultura cinética

Esta instalación es el resultado de una investigación realizada en La Motte au Duc, un antiguo hospital pediátrico de la ciudad de Rennes (Francia) especializado en el tratamiento de trastornos mentales infantiles. Un espacio rodeado de extensas zonas arboladas, con pinos, abetos y cedros centenarios, que, a partir de 2021, ha sido objeto de una importante y apresurada operación de especulación inmobiliaria. Hoy, en 2025, el hospital y sus arboledas circundantes han desaparecido casi completamente, y con ellas también su memoria vibracional. El montaje audiovisual entrelaza la documentación obtenida in situ con ficciones vegetales de realidad aumentada y derivas digitales reapropiadas desde Google Street View, Maps y Earth.

La dispositivación de la obra en sala se completa con una escultura cinética realizada a partir de dos sillas abandonadas en un rincón del hospital; dos testigos materiales del ruido tecnoeconómico y de la violencia sobre la otredad que, como capas materiales e informacionales superpuestas, condicionan, interrumpen y perturban la experiencia perceptiva del conjunto. El arte, aquí, entre temblores y demoliciones, se presenta como un ejercicio de memoria forense.

María Alcaide (Huelva, 1992)

Le Ventre de Paris (2023)

Video instalación. Piezas textiles. Video monocanal. Color. Sonido. 19’

Zola nos ofrece, con El vientre de París, un cuadro social cuyo telón de fondo no es otro que las historias de la vida cotidiana del Mercado Central de Les Halles. En efecto, Zola fue uno de los primeros novelistas que incluyó en su escritura a personas y acontecimientos comunes, las
pequeñas rencillas de los pescaderos y carniceros. El drama individual se convierte así en la expresión del drama histórico.

Este proyecto es, en esencia, una investigación basada en la novela Le ventre de Paris de Émile Zola. Poniendo el foco en el potencial poético y político de esta referencia clave para la literatura francesa y cómo retrata el centro de la ciudad de París, esta video instalación pretende realizar un escaneo, un zoom in, un zoom out. Hoy en día, el lugar donde transcurre la novela sigue siendo un mercado, un gran centro comercial al que acude mucha gente de las afueras de la ciudad, solo que las lógicas de consumo son muy diferentes. Por eso, es el lugar perfecto para llevar a cabo un análisis social sobre cómo las relaciones de poder basadas en la clase, el género y la raza están en el centro de la planificación urbana.

Anna Dot (Torelló, 1991)

La paràbola dels cecs (2020)

Instalación con palos de madera

En el cuadro La paràbola dels cecs (1568), de Pieter Brueghel el Viejo, un grupo de ciegos sigue a otro ciego. El primero, el guía, está cayendo en un agujero. Los que lo siguen no parecen darse cuenta de la caída del primero. Todos llevan sus palos, pero no los utilizan para decidir por dónde caminarán, sino que simplemente siguen al ciego que tienen delante. Para la instalación La paràbola dels cecs, cinco palos encontrados en diversas caminatas por la montaña son instalados en la misma disposición que aparecen los palos de los ciegos en el cuadro de Brueghel. En este caso, flotan por el espacio como si se hubieran salvado de la caída.

Stella Rahola Matutes (Barcelona, 1980)

La Fossera (L’Habitació de les Desateses) (2022)

Estructura de acero inoxidable 304 2B, piezas de descarte de vidrio borosilicato soplado
procedentes de talleres de artesanos catalanes y líquenes de usnea (Tillandsia usneoides)

La Fossera es una pieza que formó parte de una exposición titulada ‘L’Habitació de les Desateses’, que reflexiona sobre los procesos de transformación del vidrio borosilicato en sus talleres. Concretamente, La Fossera resuena con el cubículo metálico presente en todos los talleres de vidrio, donde se destina el vidrio de descarte.

El vidrio borosilicato es un vidrio resistente que requiere temperaturas más altas que el vidrio común para poder fundirse. Este aspecto, junto con el hecho de que es un material que solo puede trabajarse manualmente, supone un vínculo íntimo y obligado con la artesanía. Teniendo en cuenta la crisis de las producciones manuales en las sociedades post-capitalistas, no subsisten suficientes talleres para que haya suficiente descarte de este material que posibilite una planta de fusión para devolverlo a su ciclo de producción. Las piezas de descarte de vidrio borosilicato defectuoso no se pueden reciclar y están en un umbral.

Es aquí donde aparece otro ‘actante’ no humano: el liquen. Al adherirse y crecer, desintegra lentamente el vidrio y lo convierte en sustrato. El liquen es uno de los pocos organismos que consigue descomponer el vidrio, constituyendo el primer ente de la naturaleza en habilitar el terreno necesario para que futuros seres puedan desarrollarse.

Los objetos de arte de vidrio y esmaltados representan nuestro patrimonio cultural físico más antiguo del mundo. El objeto de vidrio más antiguo forma parte de un ojo de una estatua egipcia de hace solo unos 3.500 años. En este lapso, las técnicas de trabajo del vidrio se han sofisticado. Aquí, el tiempo se refleja hacia el futuro: 3.500 años es lo que piden nuestros parientes líquenes para descomponer el vidrio de La Fossera.

Marc Vives (Barcelona, 1978)

La fiesta (instalación posterior a la performance)

Diversos elementos del Casal Solleric, restos de la performance, cinta de papel, texto,
globos y video de registro

La fiesta es primero una performance, que parte de una conferencia de Roger Caillois de 1939 con título homónimo. Habla de una fiesta ancestral en que la vida regular se sostenía gracias a la licencia de la fiesta. De ese texto se escogen unos fragmentos que son leídos, releídos, musitados y sintetizados hasta improvisar una frase cantada. La acción va entrando en un ciclo de repetición mientras se domina el espacio y se fuerza la condición física hacia la extenuación. El discurso se va rompiendo a la vez que se tensan los límites de la arquitectura y la relación con la audiencia. Nada queda sin señalar, tocar, acariciar, golpear, etc. Mancilladas con los puños o con otros elementos del propio equipamiento como listones, cajas, escaleras, sillas, tubos, focos, papeleras, etc. Mientras el cuerpo a merced de la acción se muestra tal cual, vulnerable, miserable, torpe, abyecto, fracturado, pero honesto y es la prolongación de paredes, suelos y techos. El cuerpo y el escenario son el propio espacio. Una piel sigue a la otra. Después de La fiesta quedan unos restos que hacen rememorar unos cuerpos que había, y todavía la sensación vibrátil de unas canciones porque "vive recordando una fiesta y esperando otra". Quizás el lugar de excepción y regenerador de las antiguas fiestas lo puede ocupar hoy el arte.

Biel Llinàs (Felanitx, 1994)

Work(in’) Work(out) (2023)

Notes per a una (des)atenció al visitant /
36 dibujos de tinta sobre papel / 9 x 9 cm/u
Espiral laboral o com dues ocupacions es retroalimenten /
Acrílico sobre lino / 100 x 100 cm
Sense títol /
4 dibujos de lapiz sobre papel milimetrado / 42 x 29,7 cm/u

Work(in’) Work(out) es una investigación artística sobre el (des)encaje laboral del artista emergente en la ciudad global, partiendo de la experiencia laboral del autor como informador/controlador de sala en uno de los baluartes de la marca Gaudí en Barcelona.

El proyecto explora la dialéctica entre trabajo alimenticio y práctica artística, abordando nuevas coordenadas del trabajo en la denominada sociedad del rendimiento. De esta manera, el proyecto se articula alrededor de una colección de gestos, objetos y obras llevadas a cabo tanto durante como después de la jornada, que generan una iconografía crítica sobre cuestiones como la precarización laboral, la disciplina o la imposibilidad de concebir la vida más allá del binomio productividad –
supervivencia.

Pepe Miralles (Alacant, 1959)

Silla-cuerpo con mantequilla (2023)

Fotografía , 190 x 127 cm

¿Qué podemos hacer con la Silla con grasa (1960) de Joseph Beuys? Separar la grasa (ahora mantequilla) de la silla. Interponer un cuerpo joven que la sostiene sobre su regazo como una barriga que lo protege, lo calienta, lo alimenta y le permitirá detener, por un tiempo, el maratón de la delgadez provocado por el VIH. Fotografiarlo.

Pensar que, si bien la silla ya funciona en la obra de referencia como un cuerpo, hacerlo presente, colocarlo y fotografiarlo implica la acción de poner el cuerpo en el lugar y el tiempo del trauma, donde el mito de la grasa y de la energía se ritualizaba: una cocina, una casa, una habitación, una silla donde comer la grasa que me protegerá del mal.

Esta obra forma parte de un conjunto de trabajos agrupados bajo el título Postproducción en los que me pregunto: ¿Cómo podemos seguir aprendiendo de las obras de arte que son altamente significativas en la evolución del pensamiento formal y estético?

Alejandro Javaloyas (Palma, 1987)

Panorama d'une mythologie (2024)

Tablero contrachapado de haya curvado con prensa térmica, gesso y pintura acrílica

Panorama d'une mythologie (2024) es una instalación formada por 11 tablillas de contrachapado curvado, dispuestas a ras de suelo formando una circunferencia de 2 metros de diámetro. Tanto la cara externa como los márgenes permanecen sin tratar, revelando la naturaleza cruda del material; mientras que la superficie interior de las láminas presenta un sutil degradado cromático que transita del blanco al azul y al naranja, evocando los colores del crepúsculo. La obra se activa cuando el espectador camina en torno a ella, revelando el gradiente. De esta forma, esta instalación investiga las nociones de transformación y tiempo en un medio estático como la pintura, sin dejar de reconocerse en los motivos circulares que aparecen de forma recurrente en mis piezas de pared.
Por último, Panorama d'une mythologie (2024) surge de la experimentación en el estudio con materiales descartados y forma parte de una exploración del concepto de pintura expandida.

TXP (Todo por la praxis)
Diego Peris (Madrid, 1977)
Jo Muñoz (La Serena, Xile, 1978)

Migrar es para siempre (2022)

Caja de luz, fotografía sobre papel

Proyecto sobre los relatos ocultos y complejos del fenómeno de la migración en España. A través de la comida se generó un espacio de complicidad que sostuvo una serie de conversaciones, entrevistas
y debates colectivos con 5 cocineres del CEAR (Comisión Española de Ayuda al Refugiado) de Getafe en Madrid. Desde este proceso y sobre la estética de la “tarjeta roja”, se seleccionaron frases de les
participantes que se fueron generando en los encuentros, para crear carteles publicitarios e instalaciones lumínicas que ocuparon distintos lugares en el espacio público de la ciudad. Estas intervenciones fueron registradas fotográficamente, y visibilizan contextualmente qué significan
verdaderamente las palabras refugiado y migración, abriendo la posibilidad de revisar, desde la práctica artística, cómo nos afecta la concepción necropolítica de la frontera y la violencia de poder que está brutalmente unida a esta.

Participantes: Lisbeth Sotillo Villarreal (VEN), Consuelo Mayo Gómez (GNQ), Alvine Liliane Nkoundou Sandje (CMR), Lionel Zukam Ouambo (CMR), Bryan Ladino Múnera (COL) y Humberto Chaverra Terán (VEN), Fidel Villar Barquín (ESP) y NOAZ (ESP).

*Todo el proceso, resultados, relatos, frases y espacios de intervención forman parte de la publicación impresa el año 2023 MIGRAR ES PARA SIEMPRE que viene con un póster de gran formato con el diseño de la frase que da nombre al proyecto.

Abel Jaramillo (Badajoz, 1993)

Los fuegos (2023)

Vídeo 4k. 116'15" color / sonido / 16:9

Los fuegos aborda una narración a través de varias escenas que son una y tres películas, imágenes que transitan y se replican en distintas épocas y lugares y que se van trenzando a través del fuego. Una carta desde la periferia de París que habla sobre el miedo a un incendio, una pulsión por almacenar películas, un diálogo entre dos ciudades, una imagen que surge por accidente, un motín en la cárcel de Badajoz, una serie de incendios en unos estudios de cine en Roma: vigilar al vigilante y bailar en la azotea. Mirar todos los fuegos desde todos los puntos de vista. Las formas que quedan, las imágenes que faltan.

Como un espejo en la historia, aquel fuego que son todos los fuegos, arrasaba en nuestros tiempos una ciudad replicada de Roma en unos estudios de cine y una cárcel como símbolo de un mundo que estaba por cambiar, que está cambiando. Aquellas cenizas que nos hablan, como una voz clandestina, sobre la transformación, las imágenes y los relatos de varios tiempos que se proyectan en el presente.